Isabelle Huppert es “FRANKIE” en este conmovedor drama francés. Tres generaciones luchan contra una experiencia que les cambiará las vidas durante un día de vacaciones en Sintra, histórica ciudad portuguesa conocida por sus jardines, villas y palacios de ensueño. Ira Sachs (“LOVE IS STRANGE”, “KEEP THE LIGHTS ON”) crea una hermosa película con tintes corales retratando las conversaciones sobre situaciones y realidades que atraviesan estos personajes completando la historia desde varios puntos de vista. Está hermosamente filmada con una gran cinematografía y fotografía que se encarga de enmarcar con belleza los diálogos y por supuesto aprovecha también los idílicos paisajes que la ciudad portuguesa de Sintra tiene para brindar. Toma particulares y acertadas decisiones sobre determinados planos (sobre todo al final donde todos los personajes convergen en una montaña) que resultan realmente memorables. Definitivamente se destacan las actuaciones en un film que contiene mucho diálogo. Isabelle Huppert (“LA VIUDA”, “THE ROMANOFFS”), Marisa Tomei (“SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA”, “ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE ESTÁS MUERTO”), Greg Kinnear (“HOUSE OF CARDS”, “THE TWILIGHT ZONE”) y Jérémie Renier (“EL AMANTE DOBLE”, “LA CHICA DESCONOCIDA”). Todos ellos brindan muy buenas interpretaciones que realmente te hacen creer estar viendo a amigos y familiares que no se ven en años desplegando interesantes dinámicas de personajes. Siempre se agradece la presencia de Isabelle Huppert en pantalla otorgandonos una diva de cierta arrogancia, sagaz inteligencia y peculiar sentido del humor que atraviesa un complejo estado emocional. El guión por su parte quizás no resulte tan contundente para un film que, como ya hemos mencionado, se sostiene tanto en las conversaciones (como puede ser el caso de la saga “BEFORE” de Richard Linklater donde el mayor fuerte del film está en los extensos diálogos entre los dos protagonistas que funcionan de forma atrapante). El film nos presenta un drama que aborda muchos temas como el amor, la pérdida, la familia, el matrimonio, entre otros. Temas tan humanos y cotidianos para cualquiera que por momentos se sintiera como si ya hubiésemos visto esta película pero que aun así será igual de disfrutable como cada vez que vemos el mar a pesar de haberlo visto tantas veces. “FRANKIE” no va a acaparar demasiado la atención en la taquilla de los cines y probablemente tampoco sea ampliamente galardonada en festivales pero que sin dudas es una gran cinta que merece su lugar para ser vista. Por Matías Asenjo
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Transcurre el año 1942 y Estados Unidos se desayuna un ataque de las tropas Japonesas sobre las bases Americanas de Pearl Harbor en plena Segunda Guerra Mundial. El señor Roland Emmerich se encargó de dirigir esta película sin privarse de nada como ya nos tiene acostumbrados en su extenso listado de grandes piezas cinematográficas como "El patriota", "El día después de mañana", "Día de la independencia" y "Godzilla". Pero ahora tiene una tarea un poco más arriesgada: tiene que reconstruir (nuevamente) la decisiva batalla aérea y naval de Midway. Esta historia ya fue proyectada en la gran pantalla en 1976 siendo una de las mejores películas de guerra de ese momento. Volviendo al 2019 y al hecho que no escatimaron en gastos, podremos ver en la cinta grandes figuras como Woody Harrelson, Luke Evans, Mandy Moore, Patrick Wilson, Aaron Eckhart, Nick Jonas y Darren Criss, entre otros. A pesar de que el guión es bueno, la dirección de actores fue un poco pobre y la mayoría de las interpretaciones quedaron desdibujadas. En el afán por querer mostrar una lucha ruidosa y llena de explosiones no se logra que el espectador pueda terminar de salir de una situación para meterse en otra. Aparte de lo dicho, me pongo de pie para aplaudir el arte. Se cuida cada detalle y podemos transportarnos a la época al instante. Los outfits, ya sean los uniformes o de civil, son perfectos, las locaciones y utilería son excelentes. El director no abusa de planos detalle ni de planos generales para mostrar situación y/o acciones, sino que aplica distintos montajes en toda la cinta que logran contar una buena y entretenida historia que no cansa en ningún momento. La películas bélicas en su mayoría son buenas y esta no se queda atrás. Buenos momentos, arte y fotografía hacen que "Midway: batalla en el Pacífico" compita con otros clásicos, no solo por el gran reparto sino también por el contexto dramático que la envuelve. 138 minutos de película parecen mucho pero sinceramente resulta muy llevadero y no se torna densa ni laxa. Es una proyección que se puede disfrutar siempre y cuando te guste la historia y sobre todo las batallas, sean por agua o aire, ya que de eso Midway tiene de sobra. Por Keila Ayala En época de reboots y reciclaje de viejos formatos no sorprende encontrarnos con una nueva versión del clásico televisivo de los años 70' que ya pasó por el cine a principios de los 2000, "Los Ángeles de Charlie". Los Ángeles de Charlie siempre han proporcionado servicios de seguridad e investigación a clientes privados, y ahora la Agencia Townsend se ha expandido internacionalmente con las mujeres más inteligentes, valientes y mejor entrenadas a lo largo y ancho del planeta – varios equipos de Ángeles guiados por otros tantos Bosleys llevando a cabo los trabajos más duros por todo el mundo. La premisa es demasiado sencilla: Un dispositivo que en manos de los malos es un arma de destrucción masiva y en mano de los buenos una fuente de energía sustentable. Para contar esto, Elizabeth Banks, directora de la película, apostó por una versión mas popera desde los looks y la banda sonora, pero la linea es delgada porque de a ratos se siente más como un videoclip de una girl band debido a la fuerte presencia de la música y lo débil del guión. Chicas empoderadas y listas para la acción. El mensaje está muy claro y resultaba un enfoque necesario para esta nueva versión, más entendiendo la situación actual de Hollywood (y claro del mundo), pero la forma en la que fue llevado a cabo lamentablemente termina más por ironizar la lucha y caer en todos los chiches del "Girl Power". Tal es así que ningún personaje masculino de la cita resulta medianamente interesante. El atractivo más fuerte de la película está en el tour de ciudades al que nos invita (al estilo Misión Imposible), las secuencias de acción y claro, en sus protagonistas: Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska. La ex Crepúsculo es quien más se destaca como Sabina Wilson, un ángel abiertamente queer, y sabe aprovechar todos los 'gags' de humor para sacarles algo de jugo por más que se apueste constantemente al chiste fácil. Las apariciones de Patrick Stewart y de la misma Elizabeth Banks las sentí desaprovechadas y el choque generacional si que se nota. En los títulos finales se puede ver un desfile de figuras que pasaron por la saga. Se apela a la nostalgia como último recurso por salvar el film. Pero en definitiva, "Ángeles de Charlie" más que proponer el reinicio de la franquicia, se siente como el principio de una autodestrucción. Por Matías Villanueva La Dama de las Espadas llegó al país para seguir con su sangrienta venganza. "Reflejos Siniestros" es una película de terror sobrenatural rusa dirigida por Aleksandr Domogarov Jr. y protagonizada por Angelina Strechina, Daniil Muravyev-Izotov, Vladislav Konoplyov, Claudia Boczar e Igor Yashanin. Antes de comenzar con la crítica cabe recalcar que "Reflejos Siniestros" es parte de una secuela rusa y la primera nunca llegó al país. Igualmente no es necesario haberla visto para ver esta, son películas distintas con un mismo eje central: La Dama de las Espadas. Ahora si continuemos. Quizás la mayoría de nosotros teníamos un poco de fe sobre la película ya que al ser una producción rusa no caería en los clásicos clichés de terror de cuales estamos acostumbrados. Pero estábamos equivocados, la historia es repetitiva y con un guión bastante pobre. Todo comienza con un accidente de auto en donde la madre de Olga y Artyom muere para salvarlos. A raíz de ese suceso nuestros jóvenes protagonistas caen en un internado, muy frío y sombrío, donde el pequeño Artyom empieza a tener contacto con un supuesto espíritu que dice ser su madre. El pequeño es manipulado por el espíritu, entonces Olga y sus nuevos amigos persiguen a Artyom hasta llegar a un sótano, profundo y prohibido que guarda un espejo donde a través de un juego invocan a la dama para pedir un deseo, pero lo que no saben es que el espíritu se los llevará a cambio. Luego de todo lo sucedido no es muy difícil adivinar lo que sigue, desapariciones, muertes, sangre. Las explicaciones son confusas y tediosas, aunque da lo mismo, porque el camino es conocido de antemano. El hilo de la historia no deja el espacio para que el espectador vaya armando una historia ya que las respuestas son fáciles de encontrar. Los recursos de mundos paralelos ya los hemos visto anteriormente y no es algo que sobresalga ya que solo está un momento de la película. El final también es bastante predecible pero puede dar paso a otra entrega. Lo que rescato del film es la colorimetría. Con tonos fríos y cálidos el director pudo realizar una buena forma de contar la historia y algunos montajes llegaron a generar un clima de suspenso pero no del todo sostenido. La fotografía en general se puede decir que fue buena y pudo acompañar muy bien a la cinta. Quizás es un poco cansador que el cine ruso no se atreva a arriesgar con sus propias fórmulas para generar terror y suspenso, ya que tienen historias y leyendas propias que pondrían piel de pollo a cualquier espectador. Se derrocha el presupuesto en una película típica americana que no hace más que opacar al cine de terror que uno tanto ama. Por Keila Ayala “HUÉRFANOS DE BROOKLYN”. Edward Norton se pone noir con esta pieza que escribe, dirige y protagoniza. Nueva York. Años 50. Lionel Essrog (Edward Norton), un solitario detective privado que padece síndrome de Tourette, se aventura a resolver el asesinato de su mentor y único amigo, Frank Minna (Bruce Willis). Lionel solo dispone de unas pocas pistas y de la fuerza de su mente obsesiva para desentrañar secretos celosamente guardados que mantienen el destino de Nueva York al borde del abismo. El misterio lo lleva a los clubes de jazz empapados en ginebra de Harlem, a los barrios marginales de Brooklyn y, por último, a los salones dorados donde se juega el poder de Nueva York. Lionel deberá enfrentarse a matones, a la corrupción y al hombre más peligroso de la ciudad para honrar a su amigo y salvar a la mujer que podría ser su propia salvación. Edward Norton en su segunda incursión como director nos brinda un trabajo correcto sin grandes recursos cinematográficos. El film aborda las convenciones clásicas del cine negro utilizando por ejemplo la voz en off del protagonista para relatarlo todo acompañado por una trompeta de jazz permanente a medida que va descubriendo pistas. Sin dudas el principal punto fuerte está en la actuación de Edward Norton encarnando a este detective con la particularidad de tener síndrome de Tourette el cual le aporta algo distintivo a una película que utiliza muchos lugares comunes. Como suele suceder en el cine cuando quien protagoniza también dirige, logra aprovechar y lucir un personaje interesante. Lamentablemente el guión no da lugar al desarrollo y destaque de los demás personajes que resultan todos bastante lineales lo cual es una verdadera lástima contando con un elenco tan interesante como Willem Dafoe, Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin y Bruce Willis. “HUÉRFANOS DE BROOKLYN” es una cinta que si bien tiene algunos momentos planos resulta entretenida y nos permite volver a rememorar un género olvidado y entrañable como es el policial negro. Por Matías Asenjo Basada en hechos reales, dirigida por Scott Z. Burns, siendo este su primer largometraje como director, y protagonizada por Adam Driver, Jon Hamm y Annette Bening, "The Report" cuenta la historia de Daniel Jones (Adam Driver), miembro del personal del Senado, a quien se le asigna la ardua tarea de dirigir una investigación sobre el Programa de Detención e Interrogación que la CIA adoptó después del ataque terrorista a las Torres Gemelas el 11 de Septiembre de 2001. Después de analizar una amplia evidencia, se entera de las "técnicas de interrogación mejoradas", que han demostrado ser brutales, inmorales e ineficaces. Sin embargo, cuando Jones y el Comité de Inteligencia del Senado intentan divulgar los resultados de su investigación, la CIA y la Casa Blanca hacen todo lo posible para evitar que la verdad salga a la luz. The Report le da una nueva perspectiva, no tan popular, a lo acontecido el 11 de Septiembre del 2001. El film va dibujando una linea del tiempo, con varios saltos temporales marcados de distintas maneras, entre ellos, tonos amarillentos para el pasado, y colores fríos para el presente. Comienza con un conflicto ya iniciado que se retoma llegando al final de la historia. Todo el primer acto se da en un flashback eterno que incluye otros flashbacks dentro. Si, tenes que tener un par de horitas libres y un poco de paciencia para verla. El film destaca en cuanto a la construcción de los personajes y de la misma historia, y si bien las actuaciones son excelentes, es necesario aclarar que hicieron total hincapié en el desarrollo de la historia y no en los personajes. Comenzando por el lado de los personajes, se juega mucho con su ética y moral. Esto es algo que se ve mayormente en Daniel Jones, interpretado por Adam Driver, mejor visto como el anzuelo para que vayas a ver la película. A medida que avanza la historia, su estado mental va empeorando por todo lo sucedido. Jones se involucra personalmente en la investigación cuando se entera de lo lejos que llegaron los métodos de tortura y eso desencadena las acciones que mueven el relato hasta llegar al final, que es donde arrancó el film. Dentro de esto, cabe destacar que también hay una notable construcción técnica: Por ejemplo, a partir de cierta pregunta, el protagonista se plantea su situación actual y, escena siguiente, dedica tiempo a su vida personal que se ve pausada por la necesidad de tomar una decisión crucial para la historia. Me gusto que hayan planteado esa toma de decisión mientras hacía algo con su vida personal, porque era justamente lo que va a afectar. Dejando de lado a los protagonistas, tenemos la construcción de antagonistas, que está bien lograda y cuidada. Es interesante pensar cómo para algunos, a pesar de que el film no lo muestra de esa manera, podrían no ser los antagonistas, sino los que están haciendo las cosas bien. Incluso se plantea todo un conflicto alrededor de los culpables del atentado y posibles cómplices, porque los métodos de tortura no funcionaron con ellos, y sería interesante analizar su lógica, en la cual ubican sus creencias e ideales por encima de todo. Algo que hay que otorgarle a la película en cuanto a los personajes es que casi ni se toca la vida personal de ninguno. No se enamoran, no aparece ningún familiar, ningún shipeo ni ningún vínculo. No hay drama innecesario. Generalmente, esas cosas son las que más suelen atrapar a los espectadores y por ello cada relato tiene religiosamente, aunque sea mínima, una historia de amor dentro. En esta película, no hay nada de eso. Y sin embargo, es espectacular. Realmente, no lo necesita. Me parece excelente. En cuanto a la historia, cuenta con un guión completo, quizás con algunos huecos pero que no se perciben directamente ni afectan el eje que se priorizo a la hora de realizar la película. Primer decisión irreversible: Robar y publicar el documento. Hacer las cosas mal. Segunda decisión irreversible: No publicar el reporte en los medios de comunicación sin permiso. Hacer las cosas bien. Es simple, pero está minuciosamente construido sin necesidad de darle algún respiro a la historia o saltear conflictos verídicos para que la película tenga una menor duración, realmente se toma su tiempo para contar todo lo que sucedió. Aunque si hay que admitir que tiene escenas que aportan minutos innecesarios. Mira que amo a Adam Driver, pero hasta yo tengo un límite de sus escena de transición donde va caminando por lugares. Resulta necesario destacar la decisión que se tomó en cuanto a las escenas de tortura. Muestran con sumo cuidado todo lo relacionado a los métodos de tortura que se utilizaron, para tratar con respeto lo que pasó sin dejar de darle el nivel de fuerza que debe tener y sin caer en lo morboso. Si te consideras una persona sensible, puede que te genere algo más que la impotencia que claramente se busca en el espectador. The Report te mantiene al hilo y conectado a la pantalla incluso siendo lenta y tediosa. Aunque, con cierto aire desesperanzador, porque llega a un punto donde sentís que las cosas no van a salir bien nunca. Da demasiadas vueltas para llegar a una resolución, en las cuales no te perdes, pero te genera ansiedad. Un conflicto detrás de otro. Cuando pensas que todo se está por solucionar, agregan una traba más. Es entretenida, pero impacienta y genera una recarga de impotencia importante. Realmente sentís las dos horas que dura. Necesitas que llegue ese final, donde todo se soluciona y los buenos ganan, y de hecho, podría decirse que esto no pasa, lo cual es un ataque al espectador. Dentro de la propia narración, hay causalidad, que busca constantemente un equilibrio y la resolución, esto es algo que puede tornarse intolerable en ciertos momentos. Por otro lado, el film te afecta la moral. Los protagonistas buscan justicia para (algunas) personas que participaron del ataque a las Torres Gemelas. Terroristas. Y al mismo tiempo termina acusando a personas REALES que siguen laburando ahi para el Gobierno ¡¡!! Me encanta. Me parece algo hermoso poder hacer esas cosas a través del cine, a través del arte. También me parece correcta, y la prefiero, esa moda de liquidar a Estados Unidos. Muy diferente a lo que predominaba antes, que eran películas donde constantemente se mostraban como seres superiores, mayormente a la hora de contar este tipo de historias. En líneas generales, una gran película que te atrapa en su historia y te lleva por un camino de sentimientos encontrados, mostrando de forma cruda y directa la cara menos popular de Estados Unidos ante uno de los acontecimientos más importantes de su historia. Recomiendo que cuentes con un conocimiento mínimo de la política de Estados Unidos y de lo ocurrido con las Torres Gemelas. Por Estefanía Da Fonseca "Contra lo imposible", la película de James Mangold, nos transporta a la carrera de 24 hs de Le Mans de 1966 donde la automotriz Ford se propuso cortarle la racha de cuatro años a Ferrari. Carroll Shelby (Matt Damon) es un ex piloto y visionario diseñador de autos estadounidense. Cuando Henry Ford II decide actualizar su imagen corporativa compitiendo a nivel profesional en carreras, convoca a Sherlby para que lleve a cargo una tarea casi imposible: construir el auto más rápido. Junto con el veterano de la Segunda Guerra Mundial y conductor británico, Ken Miles (Christian Bale), lucharan contra la imposición corporativa, las leyes de la física y sus demonios personales, en un film deportivo clásico con mucho olor a nafta y testosterona. Atardeceres perfectos, desiertos y autos a toda velocidad. La combinación justa para el publico fierrero que se repite a lo largo del film. Si alguna vez vieron Top Gear saben de lo que hablo. Pero más allá de los autos, los verdaderos protagonistas son Matt Damon y Christian Bale con una relación afectuosa pero un poco tensa. Lejos quedó el Batimovil de Bale quien cambia de auto y se calza su traje de carreras para interpretar a Ken Miles, un piloto frío, volátil y sin pelos en la lengua. Si algo sabemos es que el actor británico se transforma físicamente y presta su histrionismo siempre a favor de sus personajes, aquí no hay excepción. Realiza un gran trabajo interpretativo a pesar que de a ratos se lo nota un poco sobreactuado. A su lado está nada menos que Matt Damon, un tanto opacado por Bale, quien parece poner primera al comienzo de la película pero no modifica el cambio. Nos brinda una actuación sin sobresaltos pero llena del carisma al que nos tiene acostumbrados. Desconociendo los hechos reales que inspiraron el film y sin ser fan n°1 de las películas de autos, la disfruté. Si bien a ratos sentí una leve sobredosis de carreras y desee que se aborde con mayor profundidad, por ejemplo, la relación de Miles con su pareja e hijo, la historia es llevadera y el director logra darle un buen ritmo. Lo más criticable quizás son los chistes un poco fáciles, pero a pesar de esto no fallan y hacen de la cinta más amena. Eso si, sorpresivamente la mejor escena no transcurre sobre ruedas sino en un día soleado en los suburbios con los protagonistas enfrentándose cual niños bajo la mirada de la esposa de Miles (No voy a spoilear pero es hilarante). "Contra lo imposible" nos mete de lleno al mundo del automovilismo brindándonos la información necesaria para salir de la sala convertidos en expertos de la materia. Mangold consigue su meta y nos deja un film un tanto "pochoclero" que nos hará vibrar al ritmo de los motores. Por Matías Villanueva Belleza y horror se juntan en “MIDSOMMAR” para retratar una ruptura de pareja. Dani y Christian atraviesan una dura crisis que ha dejado realmente afectada su relación amorosa. Sin embargo, con el fin de darse una oportunidad (y un poco también por la culpa de dejar sola a su novia luego de la reciente muerte de sus padres), Christian invita a Dani a sumarse al viaje que tenía ya programado con sus amigos a una remota aldea en Suecia para disfrutar de un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años. Sin embargo, y a pesar de su paradisíaca apariencia, el lugar no es lo que parece. Pronto comenzarán a darse cuenta de que los anfitriones realizan perturbadores rituales paganos que pondrán a prueba la relación de cada uno de los huéspedes y su instinto de supervivencia. Amplios y pintorescos paisajes naturales, una paleta de colores predominantemente clara, casi toda la película ocurre a la luz del día y flores por doquier. ¿Cómo logra convivir todo esto en una película inquietante y aterradora? Si viste WICKER MAN vas a poder hacerte una idea ya que está muy inspirada a partir de ese film con evidentes referencias (entre otros). Ari Aster nos trae su nueva película, pero en esta oportunidad no hay nada paranormal en ella, de hecho, tampoco sería justo catalogarla como una cinta de terror. Tal vez podamos sentir miedo en algún momento, pero no recomiendo que vayas a verla buscando sustos y monstruos que aparecen por sorpresa (premisa repetida en el género). Está hermosamente filmada y editada, pero lo que más fascina es su capacidad de generarnos sensaciones al espectador: inquietud, rechazo, incomodidad, extrañeza. Logra muy bien hacernos sentir foráneos, extranjeros de esta comunidad y menudo nos encontraremos juzgando sus costumbres. “MIDSOMMAR” no tiene nada librado al azar, todo tiene un por qué. Incluso el director nos deja pistas de todo lo que va a suceder y, aunque las encontremos, no arruinan la experiencia sino todo lo contrario. Cabe decir también que no es un film fácil. Tiene un ritmo y una cadencia que permite tomarse su tiempo para macerar el desarrollo de la historia. “MIDSOMMAR” está muy bien trabajada desde su relato cinematográfico, llena de simbolismo y provocadora. Si en el cine no sólo buscás entretenimiento creo que esta puede ser una gran opción en la cartelera para vos. Por Matías Asenjo Había una vez una pareja muy particular y con mucha plata. Gatsby (Timothée Chalamet) y Ashleigh (Elle Fanning) vivían felizmente con su noviazgo relativamente bueno y relativamente arreglado, hasta que surge un inesperado viaje a la lluviosa ciudad de Nueva York, donde vivirán una serie de aventuras que los hará encontrarse con ellos mismos y dividirá sus caminos para siempre. Para comenzar, es necesario hablar de los aspectos técnicos, que es lo que resalta en el film por encima de la historia. Es todo muy Woody Allen, quien ya tiene como costumbre característica realizar comedias románticas ambientadas en Nueva York. Es su zona de confort, y cada película es una nueva carta de amor dedicada a la ciudad. De hecho, podemos ver a Gatsby, un joven bohemio, romántico y maduro, como la personificación de Nueva York (y obviamente, del mismo Allen). Siguiendo con la ambientación, la película cuenta con planos muy largos y generales, siempre dando prioridad e importancia al espacio que rodea al personaje. Tengo que resaltar los planos de las esquinas de la ciudad, que me volvieron loca, y la fotografía junto con el uso de la iluminación “natural”. La fotografía define a los personajes y las situaciones en las cuales se encuentran. La iluminación marca cada lugar y su respectiva conexión. Da la sensación de que toda la película fue grabada en la famosa golden hour (exceptuando las escenas donde los personajes decaen y se aprecia un color azulado junto a un clima nublado) y la lluvia, como su título avisa, es utilizada como un elemento poético y profundo que marca el desarrollo de toda la historia. En el caso de Gatsby, a quien le gusta la lluvia y tiene un gran simbolismo para él, siempre está presente a medida que le van pasando cosas que generan cambios en su persona, mientras que en los demás personajes, sucede lo mismo, pero siempre que este hecho afecte negativamente su vida. Esto lo podemos ver claramente en el personaje de Ashleigh, quien es completamente opuesta a Gatsby, y en toda la historia se la pasa recalcando su rechazo por la lluvia mientras vive sus aventuras como una adolescente inocente. Incluso en el diálogo final que tiene la pareja, culmina con una frase relacionada a la lluvia en la ciudad, y lo que significa para ambos. Algo que me gustó mucho también es como se muestra a los artistas y sus respectivas crisis, lo randoms que pueden ser (como en un dia les sucede de todo porque viven su vida como si fuese un episodio más de alguna exitosa serie), las relaciones a través del cine y el arte, como el trabajo se suele oponer al amor, lo complicados que son (y si) y como se dejan fluir por la ciudad de las oportunidades. Cualquiera que se adjudique el papel de artista va a disfrutar de aquellos detalles, e incluso se van a sentir identificados y empáticos ante ciertas situaciones. Por otro lado, tenemos el casting. Repleto de reconocidos actores que resaltan sutilmente en la película. Personalmente, Elle Fanning no es mi actriz favorita, pero acá realiza una gran interpretación, muy cómica, natural e inocente para una ciudad como Nueva York donde queda fuera de lugar. Creo que su actuación junto con Timothée Chalamet estan bastante bien. Hay que darle crédito a Selena Gomez también, quien cumple con el estereotipo de morocha en el cine clásico de Hollywood, y realiza una buena interpretación. Jude Law, Diego Luna y Liev Schreiber destacan simplemente por ser ellos y brindan una actuación acorde a su reconocimiento propio como actores de renombre en Hollywood. Finalizando con el guion, como ya mencione, quedó opacado por los demás aspectos del film. Ambos personajes viven aventuras opuestas en paralelo. Mucho diálogo y poca acción. Tiene giros inesperados y momentos emocionantes. Los personajes evolucionan de tal manera, en un fin de semana, que cambian completamente su forma de ser y terminan tomando caminos distintos, ya en un mundo transformado. Algo interesante para opinar es que se presenta un conflicto muy sutil con la madre de Gatsby, a quien menciona al principio del film pero de forma que casi ni se percibe, por lo cual cuando llegamos a la escena donde tiene un diálogo inesperado con su madre que habla de su pasado, por lo menos yo, quede fuera de lugar. Pero después me di cuenta que tiene sentido, él pensaba que estaba enamorado y al final madura después de la charla con su madre, dándose cuenta que no, siendo su madre y como ella prácticamente arreglo la pareja lo primero que menciona de su relación. Por otro lado, tiene algunos diálogos muy típicos de Allen, que mantiene un humor algo anticuado pero que funciona en sus películas. De hecho, la voz en off de Chalamet remonta todo el film con su humor. Y, lo que más me gustó fue el final. Como concluye su relación con los comentarios sobre que a él le gusta la lluvia y a ella no, y como aparece el amor al otro lado del puente, culminando con la lluvia sobre ellos y un destello de sol tan sutil que adrede hicieron que dura medio segundo, pero que está, dándole un trasfondo significativo que le otorga un valor superior a la obra. Conclusión. Muy hermoso como muestran Nueva York, algo típico del director. Sabe cómo mostrar la ciudad y darle su personalidad. Fotografía y dirección de arte excelentes. Buen casting, bien dirigido. Es una comedia romántica que no presenta nada nuevo por parte de Allen, no se arriesga. Esto hace que no sea un film que pueda llegar a trascender o marcar de alguna forma la carrera del director. Es una película para ver y dejar pasar. No destaca. Incluso con el humor que toma la película. Siento que no se puede adaptar a lo contemporáneo. Y tiene sentido, está perfecto, es su forma de trabajar, por ello hay que darle la valoración que merece a partir del conocimiento previo sobre el director. Es exclusiva para sus fieles seguidores. No está entre sus mejores películas, pero tampoco entre las peores. Recomendable para disfrutar de una tarde tranquila y acompañado. Reírte un poco y apreciar la mejor forma de admirar Nueva York, con una película de Woody Allen. Por Estefanía Da Fonseca Llega “DOCTOR SUEÑO” la secuela del clásico de Stanley Kubrick de 1980 “EL RESPLANDOR”. Después de los sucesos de “EL RESPLANDOR”, Danny Torrance (Ewan McGregor) es un adulto que vive atormentado con los hechos que ocurrieron décadas atrás en el Hotel Overlook, cuando era un niño de 5 años. Ahora lucha por encontrar algo de paz a pesar de seguir irremediablemente marcado por aquel trauma. Pronto conocerá a Abra (Kyliegh Curran), una valiente niña dotada de un poderoso don extrasensorial. La joven reconocerá en seguida que Dan comparte su poder, y le pedirá ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose la Chistera (Rebecca Ferguson) y a sus seguidores. Junto con Abra, Dan deberá enfrentarse a sus miedos a la vez que revive los fantasmas del pasado, mientras emprenden una batalla a vida o muerte contra Rose. Difícil tarea del director Mike Flanagan la de hacer honor a una película basada en un libro de Stephen King y a la vez estar a la altura de una de las cintas más emblemáticas de la historia del cine, sin duda una de las grandes películas del género de terror de todos los tiempos y dirigida por un cineasta leyenda. Debo ser honesto en cuanto a no ser un gran fan de las secuelas. A menudo las encuentro una mera explotación comercial. Y si bien en este caso la novela cuenta con un libro que la sucede, me pregunto. ¿Precisaba la versión cinematográfica una continuación? La cinta comienza empapada del lenguaje “Kubriquiano”. Colores, planos, música, sonidos, arte, fotografía, referencias. Casi como si el juego fuese emular al icónico director. Sin embargo, esa decisión progresivamente se abandona tomando el lenguaje de una cinta contemporánea de terror más. Vuelve por momentos a arrojarnos estos guiños como para que no nos olvidemos a qué película continúa, pero se siente por momentos forzado y desencajado. La historia también toma un rumbo que poco pareciera encajar en el universo creado por Stanley Kubrick. Insisto, tal vez esté en el libro, pero en el lenguaje construido por el film todo el relato de los cazadores de aquellos que tienen el resplandor se siente por momentos infantil. Por otro lado, es un film entretenido, bien actuado y con sus buenas dosis de tensión. Inevitablemente para aquellos fanáticos de “EL RESPLANDOR” la nostalgia golpeará nuestros corazones más de una vez, sobre todo viendo volver a Danny al hotel y caminar por sus pasillos una vez más recreando planos icónicos que quedaron marcados en la cultura popular. Y si hablamos de recrear, polémica y errada decisión a mi parecer la de esperar que otros actores evoquen lo mismo que hicieron Jack Nicholson y Shelley Duvall en esos personajes. “DOCTOR SUEÑO” no es una película de terror que te vaya a quitar el sueño por las noches, pero tampoco te vas a dormir en la mitad de la peli. Por Matías Asenjo |
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Abril 2023
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