SIN INTERVALOS
LADO B
Películas de culto, clásicos, cine off, independiente, rarezas, cosas distintas (y otras no tanto)
Películas de culto, clásicos, cine off, independiente, rarezas, cosas distintas (y otras no tanto)
Lars Von Trier es un director danés tan controversial como brillante. Conocido por sus exigentes tratos para con los actuantes cuenta con una excelente filmografía (DANCER IN THE DARK, NYMPHOMANIAC VOL. I Y II entre una larga lista). Hoy repasaremos una de sus más particulares películas: DOGVILLE.
Stellan Skarsgård (uno de sus actores fetiche) le dijo a Paul Bettany que lo pasaría genial en el rodaje. Una vez comenzada la cinta le confesó “Como puedes ver te mentí, pero es que no podría trabajar en esta película sin ti”. El film tiene un claro carácter teatral. Algunas de sus referencias fueron el teatro épico DE Bretch, obras como La Buena Persona de Sezuan o Madre Coraje y sus hijos. En materia fílmica el director admitió que pretendía homenajear a Barry Lyndon de Kubrick. En su página de Facebook, el asesino serial noruego Anders Breivik, mencionó a DOGVILLE como una de sus películas favoritas que cuenta con una escena de un tiroteo similar al realizado por el terrorista de extrema derecha. El propio Von Trier habló sobre el tema para GQ notando la similitud y dijo “Por supuesto, si alguien me hubiera dicho que 76 personas habrían sido asesinadas por mi película no lo hubiera hecho”. Paul Bettany, quien dijo nunca haber visto DOGVILLE, decidió rodarla en vez de protagonizar El Dragón Rojo. Durante el rodaje, Russell Crowe (íntimo amigo de Nicole Kidman) se acercó al set para saludar y ver cómo realizaban la película, cuando vio a los actores con ropas viejas y en un lugar vacío preguntó: “¿Puede alguien explicarme qué demonios es esto?”. Nicole Kidman dijo que nunca volvería a trabajar con el director a pesar de ser fanática de su cine. Luego de haber rechazado ANTICHRIST (2009), tras contactos con el director fue casteada para NYMPHOMANIAC VOL. I (2013) que terminó abandonando por conflictos de agenda. Por Matías Asenjo
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En el mes de Halloween les dejamos tres películas de vampiros. Dada nuestra condición de lado B vamos a evitar mencionar DRÁCUAL DE BRAM STOCKER (1992) de Coppola, NOSFERATU (1922), THE VAMPIRE CHRONICLES (1994) entre otras para ofrecer algunas otras opciones en el menú. Entremos sin más en la fascinante mitología de los no muertos.
WHAT WE DO IN THE SHADOWS (2015). También conocida como CASA VAMPIRO dirigida por Jemaine Clement y Taika Waitit (JOJO RABBIT, THOR RAGNAROK). Este divertido mockumentary sobre la vida de cuatro vampiros que conviven en una casa cuenta también con la actuación del propio Waititi y es una excelente opción para empezar con algo más ligero. ONLY LOVERS LEFT ALIVE (2013). Esta cinta británico/alemana cuenta con Tilda Swinton y Tom Hiddleston como una pareja de longevos amantes vampiros en la era moderna. Una película cargada de referencias históricas, literarias, musicales y de la cultura en general bañadas en humor negro. Mark Twain, Mary Shelly, Lord Byron, Edgar Allan Poe, Franz Schubert, Christopher Marlowe, William Shakespeare y Jack White son algunas de sus menciones. MORSE o LET THE RIGHT ONE IN (2009). Esta joya sueca es un clásico del cine. Un cuento delicado, atrapante y poético sobre un chico acosado en el colegio que entabla amistad con una desconocida niña. No tengo caracteres suficientes para elogiar y recomendar esta pieza de arte. Si te gusta el cine sugiero fuertemente verla. A no confundirla con su remake norteamericana que nada tiene que aportar. Por Matías Asenjo En 1999, bajo la dirección de David Fincher, se estrena FIGHT CLUB, basada en el libro de Chuck Palahniuk. Este atípico relato que retrata entre otras cosas los problemas del capitalismo y la vida como consumidores ya es un clásico del cine. Rompamos las dos primeras reglas y hablemos de FIGHT CLUB, pero advertencia: te recomendamos que la veas primero antes de leer este posteo.
¿En cuántas oportunidades aparece Tyler Durden subliminalmente antes de su presentación? Cinco si contamos como extra una aparición en el video institucional del hotel como un empleado más. La cinta constantemente rompe la cuarta pared jugando con el espectador. En relación a esto, el Blue Ray tiene varias particularidades como por ejemplo que al poner el DVD inicialmente aparece el menú de la comedia romántica Never Been Kissed con Drew Barrymore, al esperar unos segundos el verdadero menú se despliega. Otra curiosidad encontramos en la pantalla de aviso de piratería por parte del FBI que en realidad es un mensaje que nos deja Tyler Durden. Posteriormente al rodaje de la cinta Helena Bonham Carter le regaló a Fincher una radiografía de sus pulmones dado que se la pasó fumando en la cinta y la cantidad de repeticiones por toma perjudicaron su salud. Hay una gran cantidad de indicios que nos da a entender que Tyler y el narrador son la misma persona. Sólo algunos de ellos: el teléfono público por el que llama Tyler al narrador tiene un cartel que dice no recibir llamadas, la tarjeta de Tyler Durden son dos angelitos idénticos en espejo, cuando ambos suben al bus sacan un solo ticket y es frecuente que cuando andan por la ciudad sólo registran o miran al narrador, previo al accidente de auto Tyler se encuentra al volante y el narrador en el asiento de copiloto pero una vez estrellado el vehículo a quien sacan del asiento conductor es al narrador. Cuando Tyler Durden menciona en un discurso que nos prometen ser rockstars mira al personaje interpretado por Jared Leto (que en ese momento pertenecía a la banda 30 Seconds to Mars) como un guiño más al espectador. El número de teléfono de Marla es el mismo que el de Teddy, personaje en Memento: 555-01234. Siempre genera curiosidad pensar qué hubiera sido del film si hubiese sido interpretado por otros actuantes en consideración. En este caso Russel Crowe fue pensado para Tyler Durden. Matt Damon y Sean Penn para interpretar al Narrador, y Reese Witherspoon y Sarah Michelle Gellar para el papel de Marla Singer. Fincher tampoco fue la primera opción. Peter Jackson era el principal candidato, pero dado que ya tenía compromisos con la saga de Lord of the Rings y la cinta de King Kong recién iba a estar disponible en 2006. Si bien Pitt y Carter estuvieron tres días grabando los sonidos de sus escenas de sexo, la escena está generada en computadora con la, en ese entonces, revolucionaria tecnología con que se hizo la escena de la bala en Matrix. Existe el mito de que Brad Pitt se rompió el pedazo de diente para la película. Pero lo cierto es que ya tenía el diente roto y se quitó el arreglo para la película. La compañía Fox aceptó costear el arreglo del diente nuevamente una vez terminado el film con la condición de que Brad Pitt aparezca sin remera al menos en dos escenas. Por Matías Asenjo Vamos a admitirlo: después del increíble documental de Val Kilmer producido por A24 y Amazon Prime nos quedamos muy manija con el actor. Y para homenajearlo elegimos su debut en la pantalla grande: "TOP SECRET!". Como es costumbre acá van algunas curiosidades de una de las grandes comedias de los 80.
Val es un actor que bien podría considerarse de método. Para esta película estuvo meses aprendiendo a tocar guitarra dado que su personaje era músico, sin embargo, a la hora de rodar los directores coincidieron en que era más gracioso cuando no sabía tocar por lo que tuvo que hacer una mala mímica a la hora de grabar. Al menos es el propio Kilmer quien canta las canciones apareciendo en los créditos de la banda sonora de la película bajo el nombre de su personaje Nick Rivers. Ambos protagonistas, Val Kilmer y Lucy Gutteridge, fueron descubiertos por los directores en obras teatrales: SLAB BOYS (junto a Sean Penn y Kevin Bacon) y NICHOLAS NICKLEBY (de la Royal Shakespeare Company basada en una novela de Charles Dickens) respectivamente. La máscara que utilizó el actor Peter Cushing para la escena de la librería estuvo almacenada durante 30 años hasta que fue utilizada por los artistas de efectos visuales de la película #RogueOne para ayudarlos a generar los rasgos faciales del Gobernador Tarkin La icónica y original escena que sucede en la librería sueca se grabó y montó para ser posteriormente mostrada a la inversa, de forma que sonara y se sintiera única. Se realizó sin cortes y dura en total 88 segundos. Si reproducimos la escena hacia atrás todo el diálogo es exactamente lo que se muestra en los subtítulos a excepción del título del libro que es en realidad “Europe On 5 Quaaludes A Day”. En el laboratorio del Dr. Flammond, los efectos de sonido que se escuchan son los mismos que se utilizan en el film EL HOMBRE VESTIDO DE BLANCO (1951), donde también aparece el Dr. Michael Gough. Si bien la cinta no cuenta con muchos cameos ya que los directores sentían que ese recurso había sido explotado en su antecesor éxito ¡ATRERRIZA COMO PUEDAS!, ellos mismos tienen una pequeña participación actoral como los soldados alemanes que aparecen en la sala para arrestar a Nick. Tratándose de una película de humor y parodia a otros films, destacan la gran cantidad de easter eggs que esconde el largometraje, algunos más evidentes que otros. Te invitamos a que comentes algunos de ellos! Por Matías Asenjo Luego de una exitosa carrera como director de comerciales, Javier Fesser lanza su primer largometraje en 1998 llamado El milagro de P. Tinto, una imperdible comedia absurda donde muestra su curioso mundo y visión. Esta ópera prima logró posicionarse como una de las mejores comedias españolas de todos los tiempos con frases icónicas, personajes y momentos memorables. Como de costumbre te dejamos algunos datos curiosos:
En honor al nombre de la cinta el rodaje tuvo un milagroso comienzo: lo primero en filmar fue el accidente entre el motocarro de tres ruedas y el camión de La Zamorana. El especialista que conducía el vehículo, arengado por Fesser, quiso sorprender a los presentes con un derrape para el que aquel viejo vehículo no estaba preparado produciéndose un vuelco del que afortunadamente nadie salió herido. Fue muy difícil encontrar un segundo marciano para que llegase a la Tierra en el OVNI 600 junto a Emilio Gavira. Por suerte, antes de empezar a rodar con el mismo actor encarnando a ambos personajes, el director de casting Paco Pino se cruzó por la Gran Vía madrileña con un melenudo Javier Aller al que captó sin dudarlo. Este fue el comienzo de Aller en una carrera como actor en diversos títulos hasta su fallecimiento en 2018. Como es común en las películas de culto la crítica recibida por parte de la prensa no fue para nada buena. Sin embargo, un público encantado con la cinta les permitió recaudar algo más del doble de su presupuesto, casi 700 millones de pesetas (4 millones de euros). La voz en off que narra el noticiario del NODO es la del propio Javier Fesser. Lo primero que los curiosos espectadores de El milagro de P. Tinto vieron al apagarse las luces fue ‘Pøsnëkc (la llave)’, corto ganador del “Juria Premiôk” en el “Ziudad de Grosnik Internazional Festibäl”. Este era el primer acierto de la película, además de toda una declaración de intenciones sobre la libertad con la que Fesser había rodado su historia. Presentar a uno de los protagonistas y su conflicto en un supuesto corto para que, al empezar oficialmente el largometraje, fuese totalmente olvidado hasta que irrumpiese media hora después en la trama central. Con una banda sonora muy particular que incluye una reversión de “Tengo una vaca lechera” por “Tengo un ovni formidable”, había un tema con el que deseaban contar y que encajaba a la perfección en este universo: “A lo loco”, que pudo incluirse en la banda sonora original con la interpretación estelar de Jarabe de Palo y Celia Cruz exclusivamente para el film. En YouTube pueden encontrar un making off, pero si todavía no viste la peli advertimos ver a discreción ya que va a adelantarte mucho. Por Matías Asenjo Dos directores y tres actores desconocidos se adentran en un bosque con cámaras de mano para filmar una película independiente de bajísimo presupuesto. Como resultado obtuvieron una de las películas de terror más revolucionarias y aterradoras de la época. THE BLAIR WITCH PROJECT (1999), este clásico de culto es la viva muestra de que el presupuesto nunca es un impedimento a la hora de crear.
Si no fuiste contemporáneo al lanzamiento de THE BLAIR WITCH PROJECT puede que te cueste entender el impacto que generó en los espectadores en aquella época pre redes sociales y acceso inmediato a la información. Buena parte del mérito estuvo en su promoción, anunciándose como un episodio real. Gente horrorizada y eternos debates sobre la veracidad del material. Como parte de esta estrategia de promoción la película cuenta con su propio (falso) documental donde desarrolla el mito de la bruja de Blair. Pueden encontrarlo disponible en YouTube. THE BLAIR WITCH PROJECT no tiene guión. Si bien los directores tenían una estructura en mente no estaban del todo seguros cómo iba a terminar, y todos los diálogos fueron improvisados por los actores para que sonaran más reales. Se filmó en tan sólo 8 días con un presupuesto muy bajo para los estándares de la industria. Pero las ganancias generadas fueron tales en proporción que la película se encuentra en los record Guinnes. Burkittsville, el pueblo donde se rodó la cinta, cuenta con su propia maldición: los fanáticos suelen ir a rendirle tributo ocasionando reiterados actos de vandalismo como por ejemplo robarse el cartel del pueblo. El icónico close up en donde la protagonista habla desesperada y desconsoladamente a cámara fue pura casualidad por un error de manejo de la cámara por parte de la actriz. Curiosamente terminó siendo una de las imágenes más icónicas de la cinta. Estos errores solían ser algo habitual dado que los propios actores eran los que filmaban en muchas oportunidades. Pero los errores de cámara también corrieron por cuenta de los profesionales. Originalmente la bruja iba a tener su afamada aparición en cámara en una secuencia de persecución, pero el camarógrafo no volteó en el momento que debía por lo cual nunca fue registrada. Para generar un estado de temor real en los actores, era común durante el rodaje que los despertaran en mitad de la noche asustándolos con ruidos o golpes a la carpa. También los actores se han extraviado en más de una oportunidad por lo que muchas veces vemos sus reacciones reales. Por Matías Asenjo ¿En dónde conviven nazis, ninjas, robots, dinosaurios y Thor el dios del trueno? La respuesta: KUNG FURY. Esta absurdamente exagerada cinta de 30 minutos de bajo presupuesto que rinde culto a la década del 80 con su estética, referencias, clichés y excesos se ha vuelto un suceso de culto en internet. Les dejamos aquí unas curiosidades.
El juego de Arcade que aparece al comienzo referencia el nombre de la productora Laser Unicorns (pueden entrar a su canal de YouTube que cuenta con mucho material adicional sobre el film). La película fue financiada a través del sitio web Kickstarter logrando alcanzar la cifra US$630.019, superando el objetivo original de $200.000, pero faltándole para lograr el objetivo secundario de lograr un largometraje con $1 millón de dólares. El propio David Sandberg quien escribió, dirigió y protagonizó KUNG FURY comentó que películas como Robocop, Blade Runner, Big Trouble in Little China, Terminator y Back to the Future fueron inspiración para el cortometraje. Los fanáticos más puristas han denunciado que Hackerman en determinado momento utiliza el programa Java que no salió hasta la década del 90. Por cierto, pueden encontrar en el mencionado canal de Laser Unicorns un tutorial sobre como hackear el tiempo. El número de teléfono que entrega Kung Fury a las vikingas es 555-4385. Mismo número telefónico del Doc. Brown en Back to the Future. La lucha de Kung Fury contra los nazis tiene reminiscencias a Street Fighter y Street of Rage, sin embargo, Sandberg declaró haberse inspirado en la famosa secuencia de Oldboy (película a la que hemos dedicado un espacio en LADO B). En el trailer se puede ver que el personaje de Katana era interpretado por otra actriz. Por razones de tiempo, dicha actriz no pudo continuar el rodaje, razón por la que Helene Ahlson encarnó al personaje en la versión final y probablemente motivo también por el que se introducen los fallos de VHS en la escena de Thor, que contaba con la actriz original. El plan original era que Kung Fury y Hitler tuvieran una épica batalla final, pero los gastos de la película eran ya demasiado altos para realizarla. Existe un video juego de hermoso pixel art inspirado en la película. Sencillo, divertido y que capta perfectamente la esencia que envuelve la pelícua. Pueden conseguirlo en Steam. El film cuenta también con un video musical interpretado nada más ni nada menos que por David Hasselhoff. Prontamente saldrá una secuela que contará con Arnold Schwartzenegger, Michael Fassbender y David Hasselhoff entre otros. KUNG FURY está disponible en YouTube. Por Matías Asenjo Enigmática, horrenda, extraña, tomada de pelos, sublime, obra maestra. Todo tipo de calificativos ha recibido por parte del público y la crítica este tour de force dirigido por Leos Carax llamado HOLY MOTORS (2012). Hoy vamos a navegar las superficies de esta críptica película de culto dejándoles a Uds. el trabajo de sumergirse en sus profundidades.
La intervención frente a cámara del director al comienzo de la cinta fue consecuencia de una imagen que le resultó perturbadora: una sala de cine en plena proyección poblada de espectadores con los ojos cerrados. Esta idea, cuenta el propio Carax, referencia el plano final de THE CROWD (1928) de King Vidor, como también la novela DON JUAN de Ernst Theodor Amadeus. El actor Denis Lavant interpreta en esta cinta múltiples personajes. O, mejor dicho, interpreta a un actor que interpreta múltiples personajes. Dentro de ellos tenemos a Monsieur Merde (o Señor Mierda para estas latitudes), al que ya había dado vida en la película TOKYO! (2008) en la que también participaron directores como Michel Gondry y Bong Joon-ho. “No sé quién es el público. Es un grupo de gente que se va a morir. No me gustan las películas públicas, me gustan las películas privadas”. Respondió el director luego de que se le preguntara si al público le gustará ver una película tan rara. El nombre del personaje: Oscar. Hace referencia al propio director: LeOS CARax. Pero también puede ser una alusión a los premios de la academia. El film indica ser una metáfora del cine mismo y su industria. Aborda diversos géneros como el documental, ciencia ficción, drama, musical y thriller. Además, juega con distintos trabajos de cámara específicos como el cinema verité, slow motion, movimientos melodramáticos de cámara, cortes rápidos entre otros recursos cinematográficos. El propio Oscar hace referencias verbales sin mencionar la evidente profesión del protagonista entre otras observaciones. Pero como todo buen relato, este nos puede llevar a múltiples reflexiones. No deja de ser una analogía para la vida y aplica perfecto en estos tiempos pandémicos donde el arte está siendo el último orejón del tarro una vez más. Y tal vez al igual que Oscar, este actor que actúa para ningún público ni director, podremos responder: “¿qué es lo que te hace seguir? La belleza del acto”. Por Matías Asenjo “Sin Intervalos: LADO B” trae películas de culto, clásicos, cine off, independiente, rarezas, cosas distintas (y otras no tanto).
El 2019 se nos fue y sin dudas una de las joyas que nos dejó este año fue PARASITE, la película coreana del director Bong Joon-ho. Decidimos usar esta excusa para meternos un poco en el prolífero cine coreano que desde hace ya unos años pareciera no parar de crecer brindándonos grandes joyas. Hoy vamos a repasar algunas curiosidades de la imperdible OLDBOY de Park Chan-wook. El film está basado en el manga japonés OLD BOY de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi. Forma parte de la llamada "Trilogía de la venganza". Una serie de películas del director que inicia con SYMPATHY FOR MR VENGANCE y concluye con SYMPATHY FOR LADY VENGANCE que como ya podrán suponer abordan la venganza como tema principal además de otros conceptos como hilos conductores. La escena de la pelea en el pasillo es sin dudas una de las más emblemáticas. Un plano secuencia de más de tres minutos que tuvo que prepararse durante tres días. Todo un ejercicio de coreografía bien ejecutado. Ha sido referencia para otros directores surcoreanos como Bong Joon-ho, Kim Jee-woon, Yeon Sang-ho o el propio Kim Ki-duk, e incluso para directores internacionales como Quentin Tarantino (que presidió el jurado del festival de Cannes del año 2004 y otorgó a OLDBOY el Gran Premio del Jurado). Una de las escenas que causó mucha polémica, sobre todo en Occidente, fue cuando Dae-su come un pulpo vivo en un restaurante. Aunque se pensó que se hizo por efectos, lo cierto es que, efectivamente, Dae-su se comió un pulpo vivo. De hecho, se tuvieron que utilizar cuatro pulpos durante la realización de la escena. Tanto le costó al actor, por su creencia budista, que rezó una oración por cada pulpo antes de comérselo. El nombre del restaurante en el que Dae-su come el pulpo se llama “Akira”, siendo un guiño al nombre del mítico director. Originalmente se pensó que era un homenaje a la película animada de Katsuhiro Otomo, aunque después Park Chan-wook se encargó de aclarar que era un tributo a Kurosawa. Para los gamers: se pueden encontrar referencias a videojuegos como “Half Life: Counter-Strike” y “StarCraft”, aunque el director declaró no haberse inspirado en ningún videojuego en particular a la hora de filmar la escena del pasillo como muchos piensan. Podemos encontrar otro homenaje en la banda sonora (compuesta por Shim Hyeon-jeong, Lee Ji-soo y Choi Sueng-hyun) en donde Park Chan-wook tituló cada canción con el nombre de una reconocida película que haya influenciado su carrera. Existe una remake norteamericana dirigida por Spike Lee con Josh Brolin y Elizabeth Olsen lanzada en 2013 pero… no se molesten en verla. Por Matías Asenjo Stanley Kubrick es uno de los directores más grandes y enigmáticos de todos los tiempos. Cuenta con mega clásicos del cine como "2001: Odisea en el Espacio" y "El Resplandor". Se rumorea que la llegada del hombre a la luna fue filmada por el propio director y que su muerte fue causada por los Illuminati tras exponer sus prácticas en "Ojos Bien Cerrados" (hasta la propia Nicole Kidman declaró que lo mataron).
Sin embargo "LA NARANJA MECÁNICA" es el verdadero film que lo llevó a la consagración a este misterioso director. Hoy en SIN INTERVALOS: LADO B vemos algunas curiosidades de esta magnífica cinta. La mujer de Burguess, el autor del libro, fue violada por 4 soldados americanos durante un apagón; estaba embarazada y perdió al bebé. Tristemente, este hecho fue la inspiración para el libro. La Naranja Mecánica costó 2 millones de dólares y recaudó nada más y nada menos que más de 40 millones. El 40% fueron para el director. Kubrik le pidió al actor que improvisara en una de las escenas. Éste cantó la única canción que se sabía «Singing in the Rain». Al director le gustó tanto que compró los derechos de la canción por 10.000 dólares. En la escena en la que Alex ve películas ultraviolentas con los ojos abiertos por unos ganchos, al actor se le rayó la córnea y estuvo un tiempo sin poder ver. El Doctor, que aparece echándole unas gotas para los ojos, era un médico de verdad, no un actor, que le aplicaba las gotas para que no se le secaran los ojos. Para recrear el efecto de intento de suicidio de Alex, Kubrick lanzó una cámara desde un sexto piso. La lente se rompió pero por suerte el funcionamiento interno de la cámara permaneció intacto. El film fue tan polémico y controversial que el propio Kubrick pidió que dejaran de emitirla en Inglaterra tras recibir varias amenazas a él y su familia. Mientras que en varios lugares fue sensurada hasta los años 90. Por Matías Asenjo |