Después de licenciarse en Harvard, Bryan Stevenson pudo haber aplicado a puestos muy bien remunerados. En cambio, se mudó a Alabama para defender a negros encarcelados injustamente. El abogado Stevenson toma el caso de Walter McMillian, un hombre detenido por asesinato, a pesar de tener pruebas para demostrar lo contrario. De esta manera, Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas junto con un racismo preponderante, mientras lucha por la justicia y los derechos civiles. "Just Mercy" es un drama biográfico dirigido por Destin Daniel Cretton, basado en las memoria de Bryan Stevenson y protagonizado por Michael B. Jordan y Jamie Foxx, ambos ganadores de múltiples premios por este film, algo que no sorprende debido a sus increíbles interpretaciones, que se acentúan teniendo a Brie Larson como comparación, a quien le dieron un personaje que solo está ahí para insultar al final de cada escena y que haya una figura femenina involucrada. Al igual que el personaje de Larson, e incluso a pesar de ser una película cuyo objetivo es dramatizar los hechos verídicos en memoria de los involucrados, la historia y demás personajes fueron desaprovechados. Habiendo tanto para relatar y tanta psicología de las figuras que presentan para explorar, decidieron ir por lo lineal y emotivo, que busca generar impotencia y llanto en el espectador, que sería básicamente lo que ya lograron todo el resto de largometrajes que trataron temas similares. Convirtiéndose así en otro film que no ofrece nada nuevo. Ni hablar de Brett Pawlak, que vuelve a dejar mucho que desear en cuanto a la fotografía. Otro defecto que goza de poseer es el exceso del discurso por la igualdad y lo políticamente correcto. Necesario para la época en la que estamos, pero innecesario para el cine, que sufre de esa invisible obligación que impone límites en un arte que creció traspasando todos los parámetros posibles. Debo concluir que incluso a pesar de todo lo anterior, continúa siendo un film entretenido. Con un elenco que siempre dan ganas de ver y grandes interpretaciones que cumplen con lo que buscan, dejarte atónito en el asiento. Una película que no logra innovar, pero que siempre es necesaria para generar conciencia de historias que deben llegar lejos, en una actualidad donde parece que la memoria no existe. Por Estefanía Da Fonseca
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Todos escuchamos en algún momento de nuestra vida la frase ‘’Argentina es el granero del mundo’’ y fuera de ser solo un dicho es una gran verdad. Nuestro país exporta toneladas de distintos granos al mundo, pero lejos de ser algo bueno hay algo que todos sabemos, lo callamos y escondemos. Es por eso que Gabriel Grieco toma ciertos mitos y verdades sobre la cosecha de soja para elaborar y dirigir una película que fue aclamada en festivales internacionales. La historia es fácil de entender. Leonardo (Lautaro Delgado) es un piloto comercial que hace tiempo se quedó sin trabajo. Su mujer Leticia (Sofía Gala), al ver el estado depresivo en el que se encontraba, decidió ayudarlo y le consiguió un empleo en un pueblo del interior: ‘’EL REMANSO’’. Junto con su familia se muda al pueblo y al llegar los recibe Emilio (Daniel Valenzuela), quien le explica como es el trabajo. Luego de instalarse en la destartalada casa, Leonardo decide ir a comprar comida y es aquí donde los conflictos de la trama aparecen. Me atrevo a decir que la utilización de las locaciones es excelente. El campo se convierte en un personaje más que cuenta y agrega detalles a la trama. Otro personaje que se destaca es Lautaro Delgado, quien interpreta al hijo del matrimonio. Goza de una buena interpretación y a pesar de no tener acciones sobresalientes, el trabajo que tuvo sobre su propio personaje resulta muy empático. El elenco de reparto esta lleno de figuras. Lo completan Daniel Valenzuela, Ezequiel de Almeida, Gerardo Romano, Joaquín Rapalini Leticia Brédice, Luz Cipriota, Nicolás Pauls, Paula Brasca. Las mejores escenas tienen lugar en rutas desoladas y en el maizal que crea el escenario adecuado para las fugas y persecuciones como en las películas de terror norteamericanas. Esta mezcla de western con thriller está bien elaborada y más aun tocando un tema que está impregnado en la sociedad y que poco se habla. Toda la pieza tiene una fotografía muy buena acompañada con un arte atinado y sencillo. La música original de Diego Hensel te envuelve durante toda la película y suma mucho generando grandes climas. En definitiva, "Respira" es un film muy completo. Una historia de ficción Argentina atrapante (con acción y suspenso incluido) que toca muy de cerca una realidad latente del campo argentino. Por Keila Ayala Las películas protagonizadas por perros que interactuan con humanos ya conformaron un subgénero propio. Dentro de éste podemos encontrar las que todos los amantes de los animales vimos, "Marley y yo", "Siempre a tu lado" o el clásico "Beethoven". La mayoría tienen un factor común y es que apuestan sin riesgos a la emoción más pura y directa. ¿Qué sucederá con "El llamado salvaje"? En este caso el director Chris Sanders nos trae una historia escrita por Michael Green. En el Yukón canadiense en la década de 1890 se está produciendo la fiebre del oro. Los perros de trineo que pueden cubrir el terreno difícil a lo largo del río Klondike son codiciados por muchos y se convierten en un activo valioso. Como resultado, Buck es robado y vendido. A pesar de que la historia está basada en una novela de Jack London, lejos está de ser original. El elenco resulta acertado, como protagonista no perruno tenemos a Harrison Ford, que tiene un personaje que al comienzo aparece esporádicamente pero que luego toma fuerza en el segundo acto donde impone su poco carisma y muestra la fragilidad de un aventurero solitario. Su trabajo esta muy bien logrado y se lo ve orgánico. Ya con solo ver los posters vemos que el protagonista canino es demasiado perfecto gracias a los trabajos digitales, pero el realismo se les fue un poco de las manos. Igualmente el arte del film no logra ser opacado y es excepcional. Las paletas de colores sobre la fotografía son muy acertadas y compañan muy fluidamente logrando que Sanders se apoye tanto en la acción real como de la animación digital para contar una historia llena de drama y aventura a lo largo de sus 100 minutos de duración. Cabe aclarar que el DF es Janusz Kaminski, muy conocido por sus increíbles trabajos de fotografía en "La lista de Schindler" y "Rescatando al soldado Ryan", entre otras. Quizás en mi opinión algunas escenas se hicieron un poco extensas y densas y se podría haber contado lo mismo de otra manera, pero bueno, cada director tiene su forma. Sin embargo llega un momento en que el film triunfa en capturar y mostrar el espíritu salvaje de su elenco canino sin necesidad de ningún diálogo o interacción humana. Ese tipo de trabajo es muy minucioso y esta logradísimo. Muy pocas películas logran expresar sin diálogos pensamientos o sentimientos y aquí lo hacer y muy bien. En definitiva, "El Llamado Salvaje" es, a pesar de sus puntos criticables, una película para toda la familia. Con un narrativa a la vieja escuela, no resulta difícil encontrar en ella ecos de las historias y tópicos que los estudios Disney solían tocar en sus clásicos. Por Keila Ayala Todos tenemos duplas preferidas en alguna película sea del género que sea, como por ejemplo Ben Stiller y Owen Wilson en Zoolander, pero si todavía no encontraste tu dúo dinámico favorito, "Bad Boys" te puede ayudar. Los chicos malos vuelven a la pantalla grande luego de 17 años en esta tercera entrega dirigida por Adil El Arbi y Bilall Fallah. Es una película estadounidense de comedia y acción al estilo 'Buddy Cop' (es aquella en la que sus dos protagonistas deben trabajar juntos para resolver un crímen o vencer a un criminal). Sobre el film en general hay muchas cosas para comentar y aunque me cueste creerlo son más buenas que malas, así que comencémos. Con las actuaciones de Will Smith y Martin Lawrence en sus papeles de siempre, la nueva cinta presenta a Marcus Burnett, ahora como inspector de policía, y a Mike Lowery, en una crisis de la mediana edad. Aunque en las entregas anteriores los críticos fueron muy duros con los personajes ahora se podría decir que se logró ese balance que tanto pedían entre la comedia y las escenas de acción. A pesar de que esta dupla se come la película, hay un gran reparto detrás que logra encajar muy bien con lo ya planteado en las anteriores. Este abanico de personajes estan interpretados por Vanessa Hudgens, Jacob Scipio, Kate del Castillo, Joe Pantoliano, Paola Núñez, Nicky Jam y DJ Khaled. El elenco no solo funciona muy bien sino que también cada personaje tiene su crecimiento propio sin aburrir ni generar más historias dentro de la principal. La elección de una antagonista mexicana es muy acertada y mucho más sabiendo que el personaje que interpreta Kate del Castillo es una traficante experta en brujería que se escapa de prisión y planea una fuerte venganaza. Decir que ‘’Bad Boys para siempre" no se toma en serio a sí misma no sería preciso, pues el filme sí que lo hace a pesar de ser una comedia. La violencia que se presenta (aunque es estilizada) no escatima en mostrar ejecuciones en primer plano y balazos directos en la cabeza con mucha sangre presente. Podría decirse que logra ser la mejor de las tres por muchos aspectos no solo en dirección, también en elenco, y principalmente guión. La utilización de guiños sobre melodramas mexicanos genera diálogos muy cómicos entre los protagonistas. Otra cosa a destacar es la paleta de colores elegida. Hay escenas que tienen una paleta de colores hermosa, el vestuario, FX y maquillaje fue muy bueno y lograron crear una sola pieza sin saltos. La fotografía es excelente y el trabajo de los directores en la postproducción deja bien en claro lo que ellos querían mostrar (hay pases de planos que son increíble) y los montajes están muy bien realizados. Lo cierto es que esta nueva presentación se siente más fresca. Las escenas de Lawrence son a mi criterio lo mejor. Tener un personaje más entrado en edad logra separar la película de otras en las que aunque pasen los años dentro la historia los personajes siguen casi intactos. Humor del clásico, con distintos tipos de guiños y mezclados con un poco de acción, logran que esta entrega sea mejor que las anteriores. Más que recomendada para pasar un buen rato entre risas y balas. Por Keila Ayala Hace más de 200 años los hermanos Grimm publicaban un cuento de hadas que se convertiría rapídamente en un clásico de la literatura infantil, pero a medida que fueron pasando los años varias adaptaciones del mismo comenzaron a crearse (tanto teatrales como cinematográficas). La mayoría siguen siendo para niños, pero qué pasa si en una de esas adaptaciones creamos una bruja más terrorífica y un boque mucho más frio y solitario. Primero transportémonos a un bosque en Dublín, Irlanda, una locación casi perfecta para este tipo de películas, ya que podríamos decir que este puede ser un personaje más si logramos contar bien la historia. En este caso de eso se va a encargar el director Oz Perkins, que a pesar de tener un par de factores importantes, el resultado no fue el esperado. Con las actuaciones de Sophia Lillis (IT), Charles Babalola y Sam Leakey, la cinta busca montar un relato fantástico con elementos de horror que nunca terminan por lograr su cometido. El guión fiel a la historia original, cuenta cómo dos hermanos se escapan para tener un futuro sin miseria pero al cruzar el bosque en busca de alimentos, Gretel y Hansel, se encuentran con una misteriosa casa donde todos los días, hay manjares sobre la mesa que son preparados por una extraña anciana que fuera de querer ayudarlos los engaña. La historia en sí es un clásico pero el guión adaptado es un poco pobre. Las interpretaciones son muy buenas, y la supuesta bruja cumple su rol y está bien personalizada, los FX y Make-Up son buenos y logran que la bruja asuste un poco. Por el lado de Lillis creo que su potencial no está explotado al 100%. Tiene un decrescendo a lo largo de la película que solo cambia en las últimas escenas pero tampoco es para tanto. Lo altamente rescatable es la fotografía. El trabajo de claro/oscuro o los cambios drásticos de cálido a frio son tratados muy finamente y hacen que las escenas queden muy bien. Los momentos de fantasía con un toque de terror a veces quedan de más y no logran encajar con el hilo de la misma. Lo que se perfilaba como una película de terror termina convirtiéndose en un drama con algunas partes aburridas, no logra dar miedo y da como resultado una adaptación burda que no logra expresar lo que su categoría refleja. Por Keila Ayala Lo que inició como un rumor, terminará como escándalo. Protagonizada por Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie, "Bombshell" presenta una mirada reveladora al más poderoso y controvertido imperio mediático de todos los tiempos, Fox News, y la explosiva historia de las mujeres que derribaron al infame hombre que lo creó, Roger Ailes. La producción inspirada en hechos reales la dirige Jay Roach (Trumbo) a partir de un guión escrito por Charles Randolph (La gran apuesta-The Big Short). Hablemos de "Bombshell", un film que junta a algunas de las mejores actrices contemporáneas como son Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie, presentando una historia estremecedora y conveniente para la actualidad, que a pesar de estar más cerca de ser un documental que un drama, generó un gran impacto en mi. Como mujer tratando de abrirse en la Industria, es muy difícil opinar desde un lugar objetivo, no sentir empatía por el relato que presentan y el poderoso mensaje que buscan transmitir. Roach pudo encontrar un peligroso equilibrio entre lo emocional y entretenido, convirtiéndola en una película dinámica que cuenta con momentos divertidos, y con momentos que te dejan cargado de angustia, impotencia y repulsión. Ni hablar de las espectaculares actuaciones que fortalecen cada una de aquellas escenas. Solo puedo declinar en el bombardeo de temas políticos y un poco de mezcla innecesaria de un guión que podría ser mejor. Dejando de lado aquello, es necesario destacar la elección en cuanto a la fotografía, con movimientos de cámara imparables que buscan imitar un reconocido formato que no pertenece al cine, el maquillaje que podría decirse transformó la cara de Theron (dicho y hecho, ganador del Premio Óscar al Mejor Maquillaje y Peinado) y obviamente el compromiso de las actrices que rescatan la obra de cada defecto (también nominadas a los premios de la Academia). Basada en hechos reales y con un reparto que junta actrices poderosas y excelentes, Bombshell exhibe una historia entretenida y atrapante, que golpea directamente a Trump y a Roger Ailes, generando una gran marca para el feminismo y simpatizantes del movimiento #MeToo. Recomendable para presenciar un poco del behind the scenes de Fox News en su época mas polemica y necesaria de ver para emocionarse con lo sucedido. Por Estefanía Da Fonseca Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por Depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos. "Amenaza en lo Profundo", la nueva película de Kristen Stewart, no cumple con lo esperado. Está llena de momentos que intentan mezclar referencias sacadas de grandes obras del género, pero no las alcanza ni de cerca. Básicamente, un film que posiblemente tenía potencial, pero falló. Solamente puedo pensar en todos los detalles que se perdieron y podrían haber elevado mínimamente el resultado final. Entre ellos, desarrollar mejor las relaciones entre los personajes para que después se sienta más el efecto de sus respectivas conclusiones y tengan sentido las acciones de los mismos; no deshacerse tan rápido de la única figura que cumple la función de alivio cómico y hace más llevadera la trama; poner al mar como villano y no a un monstruo inentendible; o, lo que yo creo que hubiese salvado la película: haber logrado un mejor manejo de la claustrofobia dentro de un relato donde los héroes se están literalmente ahogando. Ni siquiera cumple con la función básica de un film, que es entretener. Solo puedes rescatar el score y algunas decisiones en cuanto a la dirección. El resto es inexplicable. Es una lastima que Stewart este cayendo en este tipo de películas comerciales de baja calidad habiendo convivido tanto tiempo en un ambiente de cine totalmente distinto donde se la notaba mucho mas comoda. Ni hablar del hecho de que esta mujer representa un icono homosexual y por algún motivo que goza de nulo argumento hacen que su personaje sea heterosexual. Algunos efectos especiales destacables, un mal manejo de la tensión, sustos baratos y escenas inentendibles. Otra película que solo sirvió para llenar bolsillos y desprestigiar aún más algunos nombres dentro de la industria. Por Estefanía Da Fonseca Desde que empezaron los 2000 varias películas se crearon sin saber que se convertirían un clásico del cine. Una de ellas es "The Grudge’’ o como la conocemos la mayoría ’’El Grito’’, película de terror Estadounidense estrenada en 2004 basada en la saga japonesa Ju-on e iniciada por el director Takashi Shimizu. Pero hoy casi 20 años después el director Nicolas Pesce nos trae una nueva remake adaptada del terror asiático. A pesar de tratarse de un reboot de la franquicia que comenzó protagonizada por Sarah Michelle Gellar en 2004, esta versión logra despegarse de las todas las anteriores pero no necesariamente de la mejor manera. Está protagonizada por Andrea Riseborough, Demián Bichir, John Cho, Betty Gilpin, con Lin Shaye y Jacki Weaver, el guión es de Nicolas Pesce. Todos los que vimos la primer película sabemos como uno de los recursos muy bien explotados fue el miedo psicológico, no tenía exceso de golpes visuales y recurría al miedo clásico. Este género es, inevitablemente, un océano de producciones en donde no todas pueden salir a flote y terminan hundiéndose. ‘’La Maldición Renace’’ tiene cosas buenas, como por ejemplo el arte y los fx, están bien planteados y plasmados a la perfección. Si del guión hablamos podemos decir que es pobre y aunque quiera seguir con el espíritu de la original poco lo logra, la escencia se mantiene pero no más que eso, dentro de la misma tendremos otras tres historias más que no agregan mucho y definitivamente se podía contar todo con menos historias enmarcadas. Los saltos en el tiempo marcados por el montaje dinamitan toda posibilidad de mantener el foco en el eje central del film. Otro punto muy favorable de la cinta es la fotografía, entre el DF y el Director crearon una atmósfera mitad policiaca mitad terrorífica que logra unir ambos mundos muy bien. Generaron climas típicos de un policial logrando que el espectador se meta de lleno en ese mundo y cuando menos lo esperes el terror te golpeé (y de la mejor manera). Podría seguir hablando mucho más pero es mejor que la vayan a ver y juzguen ustedes mismos. Lo que sí les puedo decir es que si buscás películas de terror dirigidas al público adulto y no solo adolescente, ‘’La Maldición Renace’’ es para vos. Por Keila Ayala Harley Quinn vuelve empoderada y con ganas de hacer todo lo posible para dejar atrás su relación con el muy controvercial 'Mr. J' de Jared Letto en "Aves de presa: Y la fantabulosa emancipación de una Harley Quinn", la nueva apuesta de DC cómics. Un personaje más que interesante que se vio opacado por una película un tanto mediocre. Más allá del éxito, "Escuadrón Suicida", dejó sabor a nada pero algo nos quedó claro: la entonces pareja del Joker merecía su propio metraje para poder desarrollar los pocos chiapazos de calidad que supo aportar a la pantalla. Tras la galardonada interpretación de Phoenix (y con Oscar casi en el bolsillo) la tarea no era fácil. Otra historia de villanos, mismo universo e igual expectativa. El film comienza con Quinn (Margot Robbie) asegurando que dejó su relación tóxica con el payaso de risa polémica. Cuando Cassandra Cain (Ella Jay Basco) es amenazada por el malvado criminal conocido como Máscara Negra (Ewan McGregor), Harley recluta a Black Canary (Jurnee Smolett-Bell), Huntress (Mary Elizabeth Winstead) y Renee Montoya (Rosie Perez) para ayudarla a protegerla. Dirigida por Cathy Yan, la cinta presenta un tono un similar al que supo conseguir "Deadpool" de Marvel y suma peleas al estilo "John Wick". Se siente como un gran viaje en montaña rusa narrado por la propia protagonista, con saltos en la temporalidad del relato, comentarios a cámara, momentos de mucha acción y actitud punk-rock. Lo visual juego un rol importante con una explosión de colores combinada con estallidos, fuegos artificiales y humo. Después de un comienzo muy movido, todo se torna un poco previsible y aburrido. Al villano el título de "El Padrino de Ciudad Gótica" le queda muy grande, las peleas son de mejor pero entre una y otra solo esperamos y la trama es sencilla. Eso sí, Margot Robbie no deja de sorprender con su versatilidad. Ella es la película. Su personaje es el mejor elaborado y nos contagia su diversión. El resto del elenco lo completan principalmente mujeres con un mensaje claro: "Saben protegerse solas". La presencia femenina se nota hasta en el vestuario donde no se necesitan escotes y shots minúsculos para captar nuestra atención. "Aves de presa" Es entretenida, actual, llena de glitter y acción. Se eleva por encima de "Escuadrón Suicida" pero no vuela tan alto como esperábamos. Por Matías Villanueva Dirigida por Rupert Goold, esta biopic se centra en la vida de la actriz y cantante Judy Garland (Renée Zellweger) quien llega a Londres durante el invierno de 1968 para ofrecer 5 semanas del espectáculo de su vida, como su última oportunidad para reivindicarse como artista treinta años después de haber protagonizado "El Mago de Oz". Luego de años de tomarse un merecido retiro, Renée Zellweger logra un exitoso regreso dándole vida a Judy Garland, siendo su interpretación lo más destacable de la película. Con un notable entrenamiento y dedicación, realiza un personaje totalmente fiel a la icónica actriz de la época dorada de Hollywood. Zellweger logra que el espectador conecte con ella, llevándolo por un camino de emociones que van desde la impotencia y el enojo hasta el cariño y la felicidad a medida que va avanzando la historia y el público logra aceptar la paleta de grises con la que se debió lidiar a la hora de hacer el personaje, puesto que la historia de Judy es la triste realidad que tuvieron que vivir algunos artistas, es un ejercicio de comprensión sobre una estrella, que pulen por fuera y destrozan por dentro. Dejando de lado aspectos simbólicos y reales del film, a pesar de que personalmente algunas decisiones desde la fotografía y el montaje no fueron mis favoritas, es necesario recalcar el trabajo que se realizó, con planos que acompañan al personaje y representan su interior en cada escena arriba del escenario, donde queda totalmente expuesta a su público. La cámara la sigue, la representa. Zellweger manejo perfectamente cada toma interminable, tiene totalmente merecido cada premio que obtuvo hasta ahora, incluso teniendo en cuenta a las demás nominadas. También hay que recalcar la dirección de arte, vestuario y maquillaje. Los detalles abundan en la película y te hacen sentir el espacio y al personaje sin necesidad de diálogo o acción. Conclusión, “Judy” es el retrato de una mujer que aunque esté rodeada de flores por fuera, está destruida por dentro. Una historia simple en la cual destacan los flashbacks. Con un final que busca homenajear a la actriz y dejar al público inundado de lágrimas con la piel de gallina. Recomendable para quien desea ver el lado oscuro de la fama, una biopic distinta, más cruda de lo que se viene haciendo, que decide mostrar el descenso de una estrella, y no al revés. Por Estefanía Da Fonseca |
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Abril 2023
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