hecho histórico reconocido mundialmente que aún tiene un impacto significativo. Ridley Scott eligió la historia de la familia Gucci para realizar, “HOUSE OF GUCCI” esta nueva película basada en hechos reales… ¿Fue realmente todo lo que esperábamos? El film se destaca notablemente por sus estéticas tan espectaculares. Todo lo que vimos en el trailer en cuanto a ambientación y vestimentas se vuelve realidad. Una maestría de producción que apunta a llevarse algún premio Oscar. La trama avanza de manera lenta, pero esto hace que el desarrollo de los personajes sea más interesante. Los matices y cambios de personalidades llegan a notarse y disfrutarse gracias al tipo de narración pausada que eligió Ridley para su película. Las actuaciones están por encima de la media. Todos cubren sus papeles con excelencia. Al Pacino, Lady Gaga y Jeremy Irons son las interpretaciones que más me sorprendieron. El resto del cast está muy bien pero no siento que se hayan destacado por encima de los anteriormente nombrados. Jared Leto vuelve a tener un personaje que genera amores y odios, a mi particularmente me gustó, aunque es cierto que su sobreactuación satura un poco la pantalla. Para los que no conocen la historia es una gran película que los dejará reflexivos de los sucesos. Yo conocía los sucesos y aun así la disfruté muchísimo. No coincido con la crítica especializada, no es una película más, se nota desde la concepción artística el empeño que se le puso a la dirección y a las interpretaciones. Presiento que estará nominada a varios premios, es difícil que gane, pero sin dudas estará participando de las grandes galas de Hollywood. “HOUSE OF GUCCI” es una gran opción para disfrutar en el cine. La pantalla gigante siempre es la mejor opción, sobre todo cuando hay una superproducción de escenarios y vestuarios detrás de un relato histórico tan trascendental para el mundo occidental de la moda como lo fue el desenlace del clan Gucci. Por Leandro Gioia
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Se estrenó en cines “ENCANTO”, la nueva película familiar de Disney, llena de colores latinoamericanos, y música compuesta por Lin-Manuel Miranda. El film trata sobre Mirabel (Stephanie Beatriz) y su familia, conocidos como Los Madrigal, y liderados por una matriarca (María Cecilia Botero), la abuela de la protagonista. A cada descendiente, cuando cumple 5 años, se le manifiesta un don mágico, que, a medida que crecen, lo usan para ayudar a la familia o al pueblo. Este don es brindado por la magia de “la Casita”, que tiene vida y les otorga un refugio cálido desde la juventud de la Abuela. Sin embargo, Mirabel es la única de todos los nietos que no ha recibido un don sobrenatural. Durante la cinta, ella deberá descifrar por qué, y qué es lo que debilita la magia de la Casita. “Encanto” transpira creatividad y es una pieza absolutamente pintoresca. Aunque tenemos claro que los guiones de este tipo de películas suelen tener similitudes entre sí, se encuentran abundantes características distintivas, predominando las referencias a la cultura colombiana, dadas a partir de una poderosa investigación e inmersión en la región por parte de los productores y el compositor de las canciones, Miranda. Lo primero que se puede destacar es el uso de un lenguaje mezclado entre castellano e inglés, dando como resultado un spanglish auténtico. Los actores de voz correspondientes a los personajes tienen ascendencia latina, todos, sin excepción. Esto les brinda un acento auténtico, que impacta de una manera especial en el espectador hispanohablante. Además, un dato interesante es que la protagonista, Stephanie Beatriz, es nacida en Neuquén, Argentina, hija de un colombiano y una boliviana. Tenemos que sentarnos a hablar de la estética, un gran punto a favor: es cierto que presenta algunas similitudes con la de “Coco”, pero las separa la iluminación, las paletas de colores, los efectos tipo “bokeh”, la animación más estilizada, menos rústica; de hecho, en esto último, se asemeja a “Moana” y “Soul”, llevando la belleza a un nivel trascendental, invocada para contar una historia, justamente, trascendental. Otro punto muy a favor de este film es la música de Lin-Manuel Miranda, que es auténtica, elegante, y referencia bastante fielmente a la cultura que intenta replicar, aunque, sin perder el característico tono Disney pop, que la aclimata al género fílmico. Sin embargo, lo más bello que tiene esta película es que realmente pueden disfrutar tanto niños como adultos. El simbolismo que se maneja tiene una profundidad difícilmente alcanzable por las mentes infantiles, quienes, al ver la película, simplemente disfrutan de un cuento lleno de colores, encanto y canciones. Pero para nosotros, los que somos más grandes, es clara la presencia de tópicos delicados, como la salud mental, nuestro rol en la sociedad o en la familia, la presión por alcanzar ciertos estándares, la autoexigencia, la perseverancia, la colaboración de las comunidades y, lo más importante, la puesta de límites ante cosas de cualquier índole que nos hagan daño. Poder contar ambos planos de profundidad, y a la vez, conmovernos, hacernos reír, querer bailar, emocionar; esa es la magia del cine. Uno puede encontrarse a sí mismo en cualquiera de los personajes, que son absolutamente entrañables, y todos tienen una historia diferente. Hace años que Disney viene rompiéndola con las películas de animación, y no queda más que recomendar con carácter de urgencia que vayan a verla, ¡sin importar qué edad tengan! Por Carole Sang El jueves se estrena “ASALTO A LA CASA DE LA MONEDA” la nueva obra de Jaume Balagueró, el director de la aclamada película “REC”. Una Heist Movie que peca de caer en los clichés del género, pero cuando logra salirse de lo que ya hemos visto incontables veces, alcanza un alto nivel de drama y suspenso. Cuenta con un prestigioso reparto protagonizado por Freddie Highmore, con la participación de Àstrid Bergès-Frisbey y Liam Cunningham. Thom Laybrick (Freddie Highmore), un ingeniero prodigio, es reclutado para descubrir cómo asaltar una compleja bóveda en el Banco de España. El objetivo es robar una reliquia custodiada con máxima seguridad. En los últimos años se puso de moda la ficción de asaltos y robos, pasando por el furor de lo que fue la serie “La Casa de Papel”. Hablamos de un terreno ya explorado ampliamente en el cine. Los géneros siempre funcionaron como guía para el espectador y los realizadores para enmarcar una ficción, pero cada autor pone su sello y su distinción a la misma. Últimamente los géneros son utilizados como fórmulas para el éxito en taquilla y el público, cayendo en la repetitividad y abuso de los recursos. “ASALTO A LA CASA DE LA MONEDA” utiliza permanentemente estos recursos y fórmulas. Se siente como si ya hubiésemos visto esta idea en otra parte, no resulta original. La historia del joven prodigio que resuelve un asalto imposible ya se repitió demasiado en el cine. Cuando el largometraje de Jaume Balagueró logra salirse de las normas establecidas, sumergiéndose en nuevos puntos de vista y modos de narrar, alcanza su punto más alto. La dirección hace un buen trabajo encontrando un estilo adecuado en aquellos momentos en los que la historia decide salirse de lo convencional, pero le cuesta encontrar su huella narrativa cuando esto no sucede. Aquí la narración es simple y no muy rebuscada en contarnos algo nuevo a lo que ya habíamos visto. Es el propio guion el que hace que la obra se torne genérica. Su gran defecto son los personajes y su caracterización. Los mismos no poseen matices o un desarrollo muy amplio durante la trama. Son siempre los mismos de principio a fin. Si hay algún cambio en ellos es casi imperceptible e irrelevante. Se recurre permanentemente a giros de guion muy básicos y predecibles. El actor principal, Liam Cunningham, parece estar pobremente dirigido. Su actuación es superficial y no logra que siquiera empaticemos con el personaje. Por su parte, la fotografía y el montaje destacan por sobre los otros ámbitos. La iluminación sabe transmitirnos la clandestinidad y drama de la situación. Así como el montaje maneja un ritmo muy acelerado y tensionante, siendo consciente de la temática que trata. “ASALTO LA CASA DE LA MONEDA” es un filme que dejará satisfecho a aquellos que simpaticen con el género, pero dejará sabor a poco si se buscaba algo distinto. La película funciona y es consciente de lo que quiere contar, pero un poco reiterativa en las formas. Por Felipe Benedetti EL PERRO QUE NO CALLA. Ese animal llamado humano según Ana Katz. Sebastián tiene varios trabajos temporales y abraza el amor cada vez que encuentra una oportunidad. Su transformación se retrata en un mundo cambiante y en el que puede producirse un apocalipsis. Sensible es este nuevo film de esta excelente directora argentina. Una fotografía que se siente trabajada con atención y delicadeza para retratar los sucesos que atraviesa este protagonista interpretado por su propio hermano, Daniel Katz, acentuando este carácter artesanal y propio que propone la cinta. Y es que, si bien completan el elenco nombres de la talla de Carlos Portaluppi y Julieta Zylberberg, todo estará centrado en Sebastián. Este personaje que todo lo acepta, que a todo se adapta o, como diría Alexander Pope “acepta todas las plegarias y renuncia a todos los deseos”. Todo bajo un blanco y negro que por momentos hace más desolador y sentido el relato. Un humor de situación y la mezcla de animación en un momento particular son algunos de los recursos que le calzan de maravilla a la cinta dándole aire y un sello propio. Pero el giro premonitorio que contiene la película es uno de los grandes llamativos que capta la atención de los transeúntes y es que realmente impacta. No voy a detallar demasiado para quienes no hayan visto nada aún pero considerar que esta historia fue filmada antes de la pandemia pareciera a primera impresión digno de una vidente. Una película contemplativa, reflexiva, que retrata la capacidad humana de adaptarse y nos invita por lo tanto a detenernos y pensar. Eso que a veces nos falta: detenernos. Pensar. Por Matías Asenjo Se estrenó en cines y en Netflix la esperada película de acción “ALERTA ROJA”, con las explosivas interpretaciones de Gal Gadot, Dwayne Johnson y Ryan Reynolds. ¡Advertencia, véanla! El film trata sobre una competencia interminable entre dos ladrones (Gadot, Reynolds) por la posesión de tres reliquias egipcias muy valiosas y antiguas, y, además, la persecución por parte de un agente del FBI (Johnson), que trabaja en conjunto con la Interpol y los persigue por todo el globo. El mayor valor de entregar estos tesoros a una familia rica de Egipto no serían los objetos en sí, sino el hecho de que estuvieran juntos, reunidos por primera vez en mil años. Es una típica película de robos y persecuciones, con algunos giros “inesperados”, totalmente esperados. ¿Funciona? Totalmente; la película es un manual de cómo usar clichés para que sirvan a la historia y la enriquezcan, en vez de degradarla. Sin embargo, ver tantos recursos narrativos ya vistos, agolpados nuevamente, esforzándose en agradar, impactar y convencer, se siente muy manipulador para el espectador. La mezcla de referencias y giros suman al perfil pochoclero de la pieza audiovisual. Los tres actores tienen una dinámica grupal muy interesante que enriquece la forma de contar la historia. Más allá de un guion algo obvio, predecible y sobre-explicativo, las interpretaciones ayudan a que nos involucremos, nos atraen, ya que tienen una gran química en pantalla. Sobre todo, hablando de Johnson y Reynolds. Un aspecto sumamente destacable es la calidad del material visual. La cámara está manejada de una forma magistral. La película entera es una clase de cómo captar la atención visualmente, cómo impactar mediante contrastes y colores, cómo enfocar los coreografiados movimientos de los actores. Más allá de que las escenas de lucha cuerpo a cuerpo no cuentan con una edición y montaje que ayude a construir su credibilidad, la fotografía es impecable, la producción y habilidad técnica con respecto al desarrollo en pantalla de la historia son los puntos fuertes de la película. Otro aspecto destacable de la trama es que recorre todo el mundo. Muestra diferentes paisajes, viaja por Europa, África, América del Sur, de una forma sumamente atractiva e inusual para una producción destinada a plataforma de streaming, que, por lo general, suelen contar con imágenes optimizadas para pantallas más pequeñas, planos más cercanos, y tomas de cámara que sean disfrutables en un celular o tablet. Advertencia: es una película sumamente superficial, sin ningún tipo de análisis ni profundidad. Pochoclera y familiar, es perfecta para verla sin prestarle demasiada atención. Para ser lo que es, visualmente es una maravilla, y súper divertida. En mi opinión personal, disfruté muchísimo de la performance de Ryan Reynolds y la presencia de Gal Gadot como femme fatale. Por Carole Sang La Crónica Francesa. El plato más extremo de este sofisticado chef llamado Wes Anderson. Se ambienta en la redacción de un periódico americano en una ciudad francesa ficticia del siglo XX y da vida a una colección de historias publicadas en la revista homónima, “The French Dispatch”. Pocos directores son tan identificables en su obra como Wes Anderson. Basta una sola imagen para adivinar rápidamente quién está detrás de la creación. Cine de autor. Ese término que se popularizó a partir de la nouvelle vague francesa allá por finales del ‘50. Y es que esta cinta nos presenta al Wes Anderson más exagerado en términos de su propio estilo. Destaquemos aquí algunos ingredientes de esta sabrosa receta: Belleza visual. La composición de la imagen, la simetría, el montaje, la(s) paleta(s) de colores. Esa marcada estética está más presente que nunca. Un festín a los ojos, una película que por momentos me invitaba a olvidarme del relato para dejarme llevar por esos cuadros con exquisito movimiento. Un elenco, que más que elenco pareciera un dream team actoral. Un desfile de actores y actrices de lujo que hasta el final del film no cesan de aparecer. Algunos personajes con más desarrollo, algunos donde el relato permite que los disfrutemos más que a otros, pero este primer nivel interpretativo sumado al excelente clima que el director genera en los rodajes no falla. Un humor esencialmente sostenido en el gag visual y la música que termina por acompañar de buena manera esta danza de la cinematografía con un estilo más que acertado. Quizás aquello que modestamente podría reprocharle es el exceso. Derrocha. Tanto que termina dejando la historia en un segundo plano. Y lejos están mis intenciones de juzgar su estilo, su carácter de autor que ha sido la esencial crítica recibida. ¿De eso no se trata el arte? ¿De tener una voz, un estilo, una marca? ¿Un pintor o una banda de música acaso no te cautivan por realzar su esencia? Celebro su estilo pero considero que en esta oportunidad los elementos resultan un tanto desbalanceados. No está esa empatía en sus personajes, esa historia que cautiva, ese sabor a nostalgia que sí hemos visto en otros trabajos. Pero no deja de ser a fin de cuentas una gran película de un gran director. Por tanto, si te gusta su estilo sugiero que no te pierdas la experiencia de verla en cine. Si no sos muy adepto a su estilo esta no es la cinta que hará cambiarte de parecer. Por Matías Asenjo “FINCH”, la nueva apuesta de Apple TV+ se estrenó este viernes vía streaming. El segundo largometraje del director Miguel Sapochnik impresiona en su innovación en el género de ciencia ficción variando su estilo entre drama y comedia según el momento de la película. Finch (Tom Hanks) y su perro son los únicos sobrevivientes en un mundo postapocalíptico. En un contexto prácticamente inhabitable se embarca en la misión de crear y entrenar un robot para cuidar de su mascota. Nos encontramos ante una obra de ciencia ficción que cumple con lo esperado del género, pero que a su vez aporta una nueva mirada sobre el mismo. A pesar de transcurrir en el futuro (no tan lejano), el filme es más actual de lo que parece. El principal disparador del problema de los personajes es la contaminación y sus consecuencias, la película se cuestiona qué pasará si seguimos en el rumbo en el que estamos hoy en día con respecto al medio ambiente. Es un tema ya ampliamente tratado en otras obras de ficción, pero a diferencia de esas, aquí es inevitable darse cuenta de la cercanía de los hechos y de lo actual que parece este mundo. Los personajes son de lo más destacable. Una espléndida actuación de Tom Hanks, como siempre generando simpatía con cualquier personaje que encarna y aportando su propia huella actoral. El actor sabe variar perfectamente entre comedia y drama dentro del filme. También cuenta con dos personajes secundarios que más de una vez nos sacarán una sonrisa y aportan una excelente profundidad a la soledad del protagonista. La dirección es bastante clásica, logrando que el espectador sea siempre consciente de lo que sucede. Sin embargo, se le dificulta encontrar un rumbo claro y lograr ir directo al recorte que necesita el guion. El guion tiene sus puntos débiles y encuentra algunas dificultades a la hora de realizar dichos cambios entre comedia y drama. Se abusa de este recurso y se extienden demasiado ciertas situaciones “alegres” de los personajes que lo único que hacen es retrasar la trama a su objetivo final y nada aportan a la misma. La fotografía y la dirección de arte hacen un muy buen trabajo creando un ambiente futurista post apocalíptico, contando mucho sobre el contexto de la obra. Posee una profunda y narrativa banda sonora compuesta por el argentino Gustavo Santaolalla. La misma sabe aportar a las distintas variaciones anímicas de la obra en una gran combinación entre música original y canciones de artistas. “FINCH” es una película que agrada a cualquiera que le guste el género de ciencia ficción. Logra que nos metamos en la piel de los personajes y la problemática que viven. Tiene sus dificultades a la hora de hacer avanzar la trama, pero no deja de ser una obra que plantea una interesante reflexión sobre el clima y la contaminación. Por Felipe Benedetti Disponible en Apple TV+ ETERNALS la nueva apuesta de Marvel Studios llegó a los cines para intentar cautivar a todos los fanáticos. Una historia multicultural con orígenes de nuevos personajes, una dirección estelar de Chloe Zhao y un cast muy completo con Richard Madden, Salma Hayek, Gemma Chan y Angelina Jolie a la cabeza. Una raza inmortal de héroes que han vivido en secreto en la Tierra durante siglos para proteger y formar las civilizaciones deben salir a la luz luego de los eventos de “Avengers: End Game” para enfrentar nuevamente a sus más grandes enemigos: los Desviantes. El film tiene algunas variaciones diferentes a los que nos suele acostumbrar Marvel. Hay menos cuotas de humor, hay más escenarios culturales, hay una variedad enorme de personajes que tienen características distintivas entre sí y hay una calidad cinematográfica desde la fotografía que es muy positiva. Chloe Zhao pudo imponer algunos de sus encuadres preferidos y estéticas similares a “Nomadland” se dejan notar durante toda la película. Las actuaciones están muy bien, aunque no todos los personajes lograron transmitirme empatía o heroísmo en sus batallas. Esperaba un poco más del personaje de Angelina Jolie, que si bien me gustó me resultó bastante más secundario de lo que esperaba. Los escenarios son increíbles y el recorrido histórico es muy pertinente. En el guion se decidió recaer sobre momentos históricos muy interesantes de analizar como Babilonia o la conquista de Tenochtitlán. Ambas historias vistas desde un revisionismo o abordaje muy interesante. La extensión de la película hace pensar que quizás tiene algunos flashbacks de más e incluso algunas secuencias de acción son muy repetitivas. Con 30 minutos menos, la producción habría sido más disfrutable. Concluyendo esta reseña, creo que es muy positiva esta película para el Universo Cinematográfico de Marvel. Me gustó la variedad cultural y la inclusión de personajes LGBT+, creo que es un gran avance dentro de un mundo tan relevante para la cultura como lo es el de Marvel. El film entretiene y mucho. Ideal para ver en los cines con un buen balde de pochoclos. Por Leandro Gioia |
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Abril 2023
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